Ich bin mal wieder etwas spät zur Party, aber dafür bleibe ich meistens länger. Bereits 2021 erschien Sleeping Gods und die meisten Influencer*innen und Kanäle, die sich mit Brettspielen beschäftigen, kümmerten sich schon 2020 zu Beginn der Crowdfunding-Kampagne um das Spiel. Gefühlt geistert es nun also schon ewig in der Welt herum. Schwerkraft kündigte sehr früh bereits an auch Sleeping Gods auf deutsch veröffentlichen zu wollen und ich mag mir kaum vorstellen, was das für eine Mammutaufgabe gewesen sein muss. Corona und die Lieferengpässe taten natürlich ihr übriges dazu, aber erst kurz vor Weihnachten des letzten Jahres erschien Schlafende Götter dann auch endlich bei uns. Reihenweise fuhr das Spiel während der Pandemie Höchstwertungen ein. Es wurde überall gelobt und in höchsten Tönen davon geschwärmt. Ich muss sagen, dass ließ mich nicht unberührt und ich war persönlich sehr gehyped auf das Spiel, bin ich doch schließlich ein großer Fan von Nah und Fern und mag Laukats kindlich und naiv wirkende Welten. Die Freude war groß als mir meine Frau das Werk zum Geburtstag schenkte und wir losspielen konnten. Natürlich muss bei einem solchen Umfangsgiganten auch ein bißchen Zeit investiert werden, bevor dazu etwas Fundiertes gesagt werden kann und ich habe lange mit mir gehadert, wann der richtige Zeitpunkt sein könnte. Nun denn…

Worum geht es?

Das ist eine sehr gute Frage, denn viel erfährst du zu Beginn nicht, wenn das Spiel losgeht. Du und deine Mitspieler*innen spielen gemeinsam die Crew des Schiffs Manticore, das im Jahr 1929 auf seltsame Weise auf See verschwindet und in der See dieser Welt wieder erwacht. Nun gilt es für Kapitänin Sofi Odessa und ihre acht Crewmitglieder einen Weg zurückzufinden. Dieses Unterfangen stellt sich aber schon bald als gar nicht so leicht heraus, denn wo fängst du an, wenn du keine Ahnung hast und eine ganz neue Welt vor dir liegt? Die Spieler*innen schlüpfen also in die Rolle der Crew und jede*r übernimmt die Rollen von ein paar Crewmitgliedern. Es gilt das Land und die See zu erforschen, Abenteuer zu bestehen, Kämpfe und Ereigniss zu überleben und das ein oder andere geheimnisvolle Totem zu finden. Der Verlauf des Spiels ist dabei völlig offen.

Wie läuft das ab?

Zunächst ein paar Takte vorneweg: Schlafende Götter ist umfangreich. So umfangreich, dass ich es bis zum heutigen Tag nicht überblicken kann. Ich werde nichts spoilern und mich völlig vage halten. Auch das Spielgeschehen an sich ist sehr umfangreich, so dass ich nur rudimentär darauf eingehen kann und werde. Also wenn ihr genauestens wissen möchtet, wie Schlafende Götter gespielt wird, dann werdet ihr hier nicht glücklich werden, denn hier kommt nur ein kleienr Überblick gefolg von viel Meinung zu diesem Monster. Das Bild auf der Schachtel ist auf jeden Fall ein passendes Sinnbild für das Spiel. Wir sind als Spieler*in das arglose Schiff das auf dem Meer herumdümpelt, während sich unter uns Abgründe und Tiefen auftun, die wir noch nicht mal erahnen könnten.

Die riesige Spielschachtel ist schwer und randvoll mit viel Material gestopft. Viele verschiedene Karten in diversen Größen finden wir hier, genauso wie Marker, Ringbücher und Papptableaus. Über 500 Karten kommen da insgesamt zusammen. Drei Dinge wissen wir von der Schachtelrückseite und die sind für ein Spiel von Ryan Laukat wenig überraschend. Schlafende Götter ist ein Geschichten-, Kampagnen- und Atlasspiel. Das bedeutet zum einen, dass wir hier ganz viel Geschichte über die Welt und ihre Bewohner, sowie über unsere Mannschaft bekommen werden. Zweitens werden wir hier nicht an einem Stück durchkommen, sondern uns in einer Kampagne immer wieder ein Stück weiter voran bewegen. Die Schachtel verspricht uns, dass wir solange spielen können, wie wir wollen, dann zusammenpacken und irgendwann weiterspielen. Zu guter letzt handelt es sich bei Schlafende Götter wieder um ein Atlasspiel, was bedeutet das wir uns in einem Atlas über Landkarten bewegen und Orte bereisen. Wir bewegen uns von Feld zu Feld über die Buchseiten hinweg. Fahren wir an den oberen Rand einer Seite, so blättern wir auf die angegebene Seite um und kommen dort unten auf der Seite heraus. Ein altbekanntes Prinzip der großen Spiele von Ryan Laukat.

Zunächst müssen wir einiges aufbauen. Der Atlas liegt mittig auf dem Tisch und das Schiff steht auf der Startposition. Darüber gibt es ein Schiffstableau, das uns die Rundenstruktur aufzeigt, an der wir uns in jeder Runde entlanghangeln. Je nachdem mit wievielen Leuten wir das Spiel spielen (ich empfehle es als Solospiel sowie zu zweit gleichermaßen), teilen wir die Charaktere gleichmäßig auf. Jeder der Charaktere hat ein eigenes kleines Tableau mit Bild und aufgedruckten Fähigkeiten. Dazu benötigt jeder ein bißchen Platz für etwaige Karten, die dem Charakter gehören. Der Rest ist diverses Spielmaterial in verschiedenen Kartenstapeln und Ressourcenmarker, sowie das omnipräsente Spielbuch in dem wir ganz viele Abschnitte finden auf die wir im gesamten Spiel immer wieder hingewiesen werden. Das klingt jetzt ingesamt sehr überschaubar, aber lasst euch sagen, hier muss viel vorbereitet werden und das alles nimmt schon recht viel Tischplatz ein. Darauf gehe ich aber im Fazit näher ein.

Das Spiel läuft dann im Prinzip in drei Schritten ab, die jede*r Spieler*in durchläuft, bevor der oder die nächste an der Reihe ist. Als erstes führen wir eine Schiffsaktion aus. Zu diesem Zweck bewegen wir die Schiffsaktionsfigur in einen der Räume des Schiffs. Stehen bleiben ist nicht erlaubt. Fünf Orte bietet das Schiff, an denen wir verschiedene Dinge tun können und Spielmaterial erhalten. Die Reihenfolge in der wir dort agieren ist aber beliebig. Falls unser Schiff Schaden nehmen sollte, so wird das in den einzelnen Räumen gekennzeichnet und macht Räume evtl. weniger nutzbar. Das A und O für die Spieler*innen und ihre Charaktere sind die Befehlsmarken. Mit ihnen können besondere Fähigkeiten benutzt, im Kampf unterstützt und bestimmte Karten genutzt werden. Sehr wichtige Dinger, die nur in begrenzter Anzahl zur Verfügung stehen. In vielen Räumen des Schiffs bekommen wir eben diese Befehlsmarker oder setzen sie in den Quartieren oder der Brücke zurück, um Karten und Fähigkeiten wieder nutzbar zu machen. Auch Fähigkeitskarten erhalten die Spieler*innen über die Räume und können sie später benutzen.

Als zweites wird eine Karte vom Ereignisstapel des Spiels gezogen. Dieser wird in jeder Partie neu zusammengestellt und besteht aus Karten dreier Schwierigkeitsgrade die zunächst immer schwieriger werden. Dieser Stapel ist der Timer des Spiels, den wir dreimal komplett durchspielen, bevor das Ende ausgelöst wird. Die Ereigniskarte muss nun abgehandelt werden und bringt mitunter Konsequenzen mit sich. Manche sind gut, andere schlecht für uns.

Drittens dürfen wir dann zwei Aktionen durchführen. Zur Wahl stehen uns dafür vier unterschiedliche Aktionen, die wir aber auch doppelt durchführen dürfen. Wir können Reisen und uns dabei ein paar Felder weit bewegen. Diese Bewegung hängt dabei von Symbolen auf den Charaktertableaus und dem zufälligen Wert einer Schicksalskarte ab. Die zweite Aktion ist das Erkunden, bei dem wir einen Abschnitt im Buch lesen an dem wir uns befinden. Die dritte Möglichkeit ist der Besuch eines Marktes, wenn wir an einem Ort sind, der einen Markt ausweist. Dann ziehen wir einfach sieben Karten vom Marktstapel und können beliebig viele dieser Gegenstände kaufen, sofern wir sie bezahlen können. Die letzte Aktion ist dann der Hafen. Auch diese Aktion ist nur an ausgewiesenen Häfen möglich. Dort können wir dann gegen Bezahlung unsere Mannschaft heilen und das Schiff reparieren.

So durchlaufen wir Runde für Runde und entdecken die Welt. Wohin wir fahren ist dabei komplett uns überlassen. An bestimmten Stellen werden wir dann recht schnell merken, das auftauchende Gegner und Fertigkeitsproben im Buch uns ein wenig zu stark sind und sollten uns dort fernhalten, aber im Prinzip können wir die ganze Welt bereisen und überall Aufträge und Geschichten finden, die uns wiederum zu anderen Orten führen. Der Fortschritt an bestimmten Orten wird dabei über Schlüsselworte geregelt, die wir sammeln und in den Abschnitten im Buch vorkommen und uns immer mal wieder andere Auswahlmöglichkeiten gewähren.

Auf diese Weise spielen wir uns durch die Welt und schalten nach und nach Totems und Dinge frei, die auch in nachfolgenden Durchläufen Bestand haben. Eine einzelne Partie dauert so zwölf bis zwanzig Stunden und kann zwischendurch immer wieder „gespeichert“ werden.

Das Fazit

An dieser Stelle mach ich mal Schluss mit der Beschreibung, denn das Spiel bietet gar nicht soviel mehr. Ein Großteil der Regeln beschäftigt sich ansonsten mit dem Kampf und der ist in der Tat eines der spielerischen Hauptelemente des Spiels. Auf großformatigen Karten finden wir im unteren Bereich ein Raster mit Symbolen auf dem wir nach und nach Schaden verteilen müssen. Um ein Monster zu besiegen müssen wir alle Herzen abdecken, aber es gibt geschützte Bereiche, genauso wie Felder, die dem Monster einen Schadensbonus geben und wir müssen unsere Treffer immer auf angrenzenden Feldern verteilen. Das geht sogar soweit, dass bei mehreren Monstern die Karten nebeneinander gelegt werden und wir so auf andere Monsterkarten „übergreifen“ können. Ein taktisch recht anspruchsvolles System, dass wohl dass größte Alleinstellungsmerkmal von Schlafende Götter darstellt, wenn man von der schieren Größe und dem Umfang der Geschichten in diesem Spiel einmal absieht.

Der Tenor war ziemlich einhellig und Schlafende Götter gilt in der Spieler*innenschaft gemeinhin als Meisterwerk und wenn Ryan Laukat nicht schon das nächste Riesenspiel in der Mache hätte, würde ich Schlafende Götter auch durchaus als sein Magnum Opus ansehen, aber ich bin mir wirklich nicht sicher was da noch kommt. Dennoch stimme ich in den Chor der Lobhudeleien nicht uneingeschränkt mit ein. Nach den ersten paar Stunden mischte sich ein deutliches Gefühl von Enttäuschung in meinen Ersteindruck des Spiels. Ich war tatsächlich ein wenig unterwältigt. Zwar erkenne ich die Leistung von den Laukats und allen anderen, die an Schlafende Götter beteiligt waren, neidlos an, denn der Umfang von Grafik und Geschichte ist gigantisch, aber spielerisch fand ich Nah und Fern auf Anhieb besser. Schlafende Götter ist ein Sandkasten in dem ich mich auf den ersten Blick frei bewegen kann und doch an Grenzen stoße, wenn ich immer wieder auf Gegner*innen stoße, die zu stark sind. Dann fahr ich halt woanders hin, aber da ist es ähnlich. Schlußendlich ist es genau das, was uns in der ersten Partie passiert ist. Das Spiel bietet uns die Möglichkeit zum freien Handeln an, will dann aber doch eher, dass wir uns zunächst in leichteren Gefilden ein wenig entwickeln.

Schön und gut auch das bietet dennoch genug Spaß und wir spielen den Stapel einmal durch und ächtzen unter den immer härter werdenden Ereignissen, bevor wir den Stapel von vorne beginnen. Was mich an der Setlle am meisten stört ist dass alle Charaktere ihre Fähigkeiten verlieren und von vorne beginnen für den nächsten Durchlauf. Aber Schwamm drüber. Das Kampfsystem ist wirklich großartig und macht Spaß. Auch das Erleben der Spielwelt ist toll und macht letztlich den Reiz des Spiels aus. Dennoch musst du dir im klaren sein, dass das auch schon alles ist, was du an Spiel bekommst. Ein tolles Kampfsystem und jede Menge Ressourcenüberlebenskampf mit viel, viel und noch viel mehr Geschichten. Das reicht ohne Frage für ein gutes Spiel, aber bei all den Traumbewertungen habe ich fast schon mehr erwartet und denke das Schlafende Götter ein bißchen davon profitierte, zur rechten Zeit in der Pandemie erschienen zu sein, um die eine oder andere Lücke zu füllen. Ich denke viele Menschen haben viel Zeit mit dem Spiel verbracht und es so noch mehr lieben gelernt. Ich möchte es noch mehr lieben und spielen, aber mir fehlt die Zeit, die ich damals wohl noch gehabt hätte. Denn Schlafende Götter will gespielt und erlebt werden und dafür braucht es Zeit und Platz womit wir zu meinen größten Kritikpunkten kommen. Zum einen bekommt auch Schlafende Götter es nicht hin, ein vernünftiges Speichersystem zu haben. Es nervt nicht so sehr wie bei The 7th Continent, aber es ist eben auch nicht gut und einfach, sowie schnell machbar, so dass du immer Lust hast es wieder aus dem schrank zu holen und neu aufzubauen. Jedesmal muss alles wieder in die vielen Schachteln eingeräumt werden und bei der Fortsetzung auch alles wieder auf. Nervt total. Gut, wer das alles aufgebaut auf dem Spieltisch oder anderswo liegen lassen kann. Das ist bei uns leider nicht möglich, denn wir benötigen unseren Spieltisch auch für unser tägliches Leben.

Damit kommen wir dann zu Punkt zwei und das ist die Tatsache, das Schlafende Götter viel Tischplatz benötigt, um gespielt zu werden, also nicht so einfach irgendwo an die Seite geschoben werden kann. Ich möchte aber betonen, das im Verhältnis zu manch anderem Spiel der letzten Zeit, Schlafende Götter noch relativ pflegeleicht mit seinem Platzbedarf umgeht. Vor allem das Solospiel ist im Vergleich zu Merchants Cove viel besser möglich, weil sämtliche Tableaus klein genug sind, um sich eine schöne passsende Ordnung zu überlegen. Insgesamt braucht es zwar dennoch viel Platz, aber bei einer guten Aufteilung ist das kein Problem.

Was heisst das jetzt zusammenfassend: Schlafende Götter ist ein tolles Spiel für das ihr euch Zeit nehmen müsst. Es ist eine Erfahrung, bei der Geschichte im Vordergrund steht und das Spielerische für mich in den Hintergrund tritt. Die Herausforderungen sind die Bewältigung der Kämpfe und Fertigkeitsproben durch eine intelligente Charakterentwicklung und ein erfolgreiches Ressourcenmanagement. Kauft euch das Spiel nicht, wenn ihr keine Zeit dafür habt, dann wird es euch enttäuschen, weil ihr niemals genug Einblick in das Spiel erhaltet. Idealerweise habt ihr einen Ort an dem ihr es aufgebaut lassen könnt und kehrt immer wieder zu ihm zurück. Dann lohnt sich die Investition in dieses nicht ganz günstige Vergnügen. Schlafende Götter will gespielt werden und belohnt euch dann mit seiner fantastischen Welt und vielen kleinen Geschichten in denen ihr euch eine zeitlang verlieren könnt. Wenn ihr es aber ständig auf- und wieder abbauen müsst, wird euch vielleicht schnell die Lust verlassen, da ihr nicht genug in die Welt eintauchen könnt, bevor ein anderes Spiel eure Aufmerksamkeit verlangt.

• Verlag: Schwerkraft Verlag
• Autor(en): Ryan Laukat
• Illustrator(en): Ryan Laukat
• Erscheinungsjahr: 2022
• Spieleranzahl: 1 – 4 Spieler*innen
• Dauer: 60 – 120 Minuten (pro Sitzung)

Lange angekündigt und nie dazugekommen es zu veröffentlichen, lag der zweite Teil zu meinem Artikel über Brettspiel-Illustratoren, die mir persönlich besonders gut gefallen, in der Schublade. Nun ist die Zeit aber gekommen, denn über Weihnachten gab es einige persönliche Terminverschiebungen, so dass ich ein wenig Extrazeit hatte mir nochmal Gedanken über den Beitrag zu machen. Im Juni 2019 ging der erste Teil hier online und seitdem ist eine Menge passiert. Damit meine ich nicht nur in der großen, weiten Welt, sondern auch in der vergleichsweise kleinen Brettspielwelt. Damals habe ich den Beitrag geschrieben, weil ich fand, dass die Illustratoren zu wenig Würdigung erfahren, für mich aber immer auch ein wichtiger Teil des Gesamteindrucks sind. Seinerzeit war Carpe Diem ein Aufreger in der Szene, da Alea und Ravensburger so wenig Wert auf das Material, die Optik und letztendlich auch auf die Qualität ihres Spiels gelegt haben, dass überall Kopfschütteln für das an sich tolle Spiel von Stefan Feld aufkam. Natürlich bewies Kickstarter auch, dass es deutlich anders ging und Flügelschlag, gegen das Carpe Diem zum Kennerspiel des Jahres nominiert wurde, zeigte ganz deutlich, dass es auch anders geht.

Ich habe damals eine Liste von neun Illustratoren zusammengestellt, die mir durch ihre immer wieder großartigen Artworks und Illustrationen aufgefallen sind. Mit dabei waren Fernanda Suarez, die mich durch ihre fabelhaften Charaktere und stimmungsvollen Bilder begeistern konnte. Jakub Rozalski, der eigene, zum Teil verstörende Welten in seinen Bildern erschafft, die einen mitunter an der Realität zweifeln lassen. Oder auch Michael Menzel, der Meister der Spielbretter. Neben diesen Künstlern waren auch Mr. Cuddington, Naïade, Ryan Laukat, Xavier Collette, Vincent Dutrait und The Mico dabei. Wer also gleich feststellt, das einige der bekanntesten Namen hier fehlen würden, sollte einmal im ersten Beitrag nachschauen. Erneut möchte ich euch neun Künstler prässentieren, auf die ich euer Augenmerk legen solltet. Wobei ich glaube, dass wenn ihr Brettspielfans seid, kennt ihr bestimmte Arbeiten von diesen Künstlern eh schon.

Anne Heidsieck

Auch heute möchte ich, wie im ertsen Teil mit einer Frau beginnen, die mir bereits vor einiger Zeit zum erstenmal durch ihre Verspieltheit und ihre Liebe zum Detail aufgefallen ist. Anne Heidsieck ist eine französische Künstlerin, die mir zum erstenmal durch Majesty von Hans im Glück aufgefallen ist. Diese wundervolle Dorfansicht aus den aneinandergereihten Karten ist so liebevoll gestaltet und macht Freude während des Spielens. Das war allerdings gar nicht ihre erste Berührung mit der Brettspielwelt, denn diese hatte sie durch Blue Cocker und das Spiel Meeple War. Nach eigener Aussage malt sie liebend gern verträumte und fantastische Bilder, was ich nur bestätigen kann, denn sie schafft es, verschiedenste Thematiken, selbst wenn sie wie bei Rest in Peace etwas düsterer daherkommen, immer mit einer verspielten Leichtigkeit darzustellen. Ihre Bilder sind im besten Sinne süß und verleihten mich immer wieder zum Schmunzeln. Ihr bisheriges Meisterwerk hat sie für mich mit Honey Buzz abgeliefert, an dem rein optisch einfach alles stimmt. Selbst die Werbung auf der Kartonschachtel zeigt Bienen beim Spielen der beworbenen Spiele. Ganz großartig und ich hoffe, dass wir noch viel von ihr zu sehen bekommen. Wer mehr von ihrer Arbeit sehen möchte, sollte sich einmal auf ihrer wunderschöngestalteten Website umschauen.

Andrew Bosley

Vor ein paar Jahren habe ich geschildert, welche Anstrengungen ich alle unternommen habe, um ein Spiel zu bekommen, dass ich seinerzeit auf Kickstarter sah. Hast du keine Kreditkarte ist das gar nicht so leicht sage ich euch. Das Spiel war Everdell und die Kampagne war so niedlich und hübsch aufgemacht, dass meine Frau das Spiel unbedingt wollte und dann sollte es auch spielerisch noch richtig gut sein. Andrew Bosley ist der Mann, der uns das Spiel durch seine fabelhafte antropomorphe Welt verkauft hat. Du konntest gar nicht anders, als dich sofort in diese Welt mit den Tierchen zu verlieben. Sei es die Bootskröte oder der vom Baum hängende Bibliothekar. Das Worldbuilding war so wunderbar und wurde allein durch die Illustrationen von Andrew Bosley erschaffen. Everdell machte seinen Namen groß in der Szene auch wenn er vorher kein Unbekannter war. Auch durch die Illustrationen zu Descent und Citadels konnte er sich hervortun. Für mich festigte er, nach dem riesigen Erfolg mit Everdell, durch Tapestry im Jahr danach, seinen Ruf als einer der ganz heißen Illustratoren für neue Brettspiele, denn auch dort konnte er sich voll austoben und erschuf allein durch seine Beiträge ganze Welten von Fraktionen, die erst durch seine Bilder entstanden. Für mich ist Tapestry ein tolles Spiel. Andere sehen das vielleicht kritischer, aber über die Artworks habe ich in diesem Fall noch niemanden lamentieren hören. Andrew Bosley ist für mich ein Weltenbauer, der es schafft durch seine Bilder meine Fantasie anzuregen, so dass sich vor meinem inneren Auge durch seine Kunst die Welten entfalten.

Beth Sobel

Beth Sobel ist zur Zeit in aller Munde. Das liegt zum einen daran, dass sie natürlich durch das Spiel des Jahres 2022 Cascadia relativ bekannt geworden ist, aber das ist nicht der einzige Grund. Die Amerikanerin aus dem pazifischen Nordwesten der USA hat ein Händchen dafür Landschaften und Natur in all ihren Formen abzubilden. Tiere und Pflanzen kann sie genausogut wie wundervolle Berg- und Seepanoramen. Derzeit liegen Naturthemen in Brettspielen voll im Trend und deshalb sehen wir ihre Kunst in den letzten Jahren umso mehr. Das ist auch gut so, denn durch ihren meist sehr naturalistischen Stil schärft sie unsere Sinne für diese schönen Dinge. Es gibt sehr viele Spiele, die von ihr illustriert, im Hintergrund Berge mit weißen, schneebedeckten Kuppen zeigen, was sicherlich genauso ein Ausdruck ihrer natürlichen Umgebung in Washington ist, wie ihre Fähigkeit Tiere, und besonders Katzen, abzubilden. Hier schaut euch nur die Coverillustrationen von Calico und Endangered an. Generell mag ich Naturthemen in Spielen und wenn sie dann auch noch so schön daherkommen wie die von Beth Sobel gezeichneten Berge, Tiere und Pflanzen, dann macht mir das Spielen gleich nochmal soviel Spaß.

Chris Quilliams

Chris Quilliams ist, sofern ich richtig informiert bin, der einzige nicht freischaffende Künstler unter den Zehn, die ich hier heute präsentiere. Er ist soetwas wie der Haus und Hofzeichner von Plan B im Moment. Der Kanadier ist schon etwas länger dabei und hat als Comiczeichner angefangen und bereits früh für Steve Jackson Games und Games Workshop gearbeitet. Über Z-Man kam er dann in die Brettspielszene hinein und hat einige durchaus ikonische Coverartworks geschaffen. Quilliams ist in meinen Augen soetwas wie der Alleskönner unter den Brettspielillustratoren, denn er ist mir lange Zeit nicht besonders aufgefallen, weil ich zu dem Zeitpunkt gar nicht wusste, das er hinter all den tollen Illustrationen steckte die mir gefielen. Das erste Spiel von dem ich erfahren hab, das es von ihm war, war seinerzeit Era: Das Mittelalter. Das Cover gefiel mir richtig gut und danach schaute ich mir mal auf Boardgamegeek.com an, was er alles gemacht hat. Die Bandbreite ist grandios, denn sowohl die Pandemie-Cover, die eher wie Filmplakate wirken, sind von ihm, als auch so außergewöhnlich hübsche Musterspiele wie Azul und all seine Nachfolger. Ganz nebenbei ist er aber auch der Künstler, der so wunderbare Kreaturen wie in Equinox und Century – Golem Edition erschafft. Ich bin immer wieder aufs neue begeistert, was Chris Quilliams alles aus dem Hut zaubert. Auch ein wirklich toll aussehndes Coimbra stammt von ihm. Solange Plan B existiert, werden wir wohl noch in den Genuß von einigen seiner Machwerke kommen.

Ian O’Toole

Ian O’Toole ist Australier und lebt in Perth. Bevor er in die Szene kam um Brettspiele zu illustrieren, war er bereits zehn Jahre in der Werbung tätig und ich möchte bereits an dieser Stelle behaupten, dass ihr das seiner Kunst ansehen könnt. Der Mann hat grafisch eine Menge Erfahrung und in meinen Augen auch viel auf dem Kasten. Allerdings habe ich auch schon einige Stimmen gehört, die nicht immer etwas mit seinem Stil anfangen können. Nach dem , was ich über ihn gelesen habe, benutzt er sowohl traditionelle Maltechniken, ist aber auch digital sehr bewandert. Den meisten dürfte er von so Spielen wie Black Angel und Merw bekannt sein. Wer ein bißchen tiefer in die Tasche greifen kann, der besitzt vielleicht auch das ein oder andere Spiel von Vital Lacerda. Vinhos, The Gallerist, Kanban, CO2, Escape Plan, Lisboa und On Mars sind allesamt von ihm grafisch umgesetzt worden. Auf den großen Schachteln der Lacerdaspiele kommen seine Artworks richtig gut zur Geltung. Um euch zu zeigen, was ich an Ian O’Toole so großartig finde habe ich ein paar eher außergewöhnliche Beispiele seiner Kunst herausgesucht. Der Spielplan zu Black Angel zum Beispiel spielt so dermaßen gut mit Farben und Formen und passt so ausgesprochen gut zum Thema des Spiels. Die anderen Beispiele zeigen Bilder aus dem Spiel Victoriana, bei dem sehr gut erkennbar ist, warum er ein Meister seines Fachs ist. Wunderbare Zeitungskarten und das Charaktertablau von Sherlock Holmes sucht ebenfalls seinesgleichen. Leider kennt das Spiel kaum einer und zu bekommen ist es wahrscheinlich auch nicht, aber allein die Illustrationen sind es wert.

Kwanchai Moriya

Nachdem ich nun schon Ian O’Toole vorgestellt habe und ich sagte, dass ich auch Leute kenne, die nicht so begeistert von ihm sind, stelle ich auch gleich noch den nächsten Kandidaten vor, von dem ich weiss, das seine Arbeiten nicht allen gefallen, aber das müssen sie ja auch gar nicht. Mir gefallen seine Werke aber immer wieder richtig gut. Die Rede ist vom Amerikaner Kwanchai Moriya aus Los Angeles, der über einen noch viel grafischeren Stil als Ian O’Toole verfügt. Betrachte ich seine Werke, so ist da immer verdammt viel los auf seinen Bildern. Ich weiss oft gar nicht wo ich zuerst hinschauen soll. Viele kleine Details, oft grafische Elemente und immer irgendwie besonders. Moriya hat aber ein Gefühl dafür, was außergewöhnlich ist und dennoch zu einem Thema passen könnte. In einem Interview sagte er mal, dass er bestimmte Themen immer mit einem bestimmten Kunststil verbindet und seine Projekte so umsetzen möchte. Es existiert sogar eine Liste von Themen, die er bereits im Kopf hat unbedingt umsetzen möchte. Seine Geschichte, wie er dazu kam Brettspiele zu illustrieren, ist ganz interessant, denn er war schon immer Brettspieler und trieb sich auf boardgamegeek.com herum. Einige Spiele gefielen ihm optisch nicht und er redesignte sie und stellte seine Ergebnisse dort online. So wurden Verlage auf ihn aufmerksam und heutzutage ist er gut im Geshäft. Aus seiner Feder stammen die Coverartworks für Dinosaur Island und Dinosaur World, aber auch Sci-Fi-lastige Titel wie Capital Lux und So, you’ve been eaten.

Lukas Siegmon

Einer meiner Lieblingskünstler in der letzten Zeit ist der Norddeutsche Lukas Siegmon, der nach eigener Aussage ebenfalls gerne Welten kreirt. Mir ist zuletzt immer mal wieder aufgefallen, dass sein Name hinter Arbeiten steckt, die mir zunehmend gut gefallen, ähnlich wie schon früher bei Chris Quilliams. Dabei handelt es sich selten um besonders tolle Themen oder ähnliches, mir gefällt einfach sein Stil Dinge zu zeichnen. Sein Stil hat irgendetwas warmes an sich, dass ich nicht genau beschreiben kann. Das das nichts mit dem Thema zu tun haben kann, beweisst in diesem Fall Vampire The Masquerade: Heritage bei dem er sehr viele Charaktere (kühle Vampire) gezeichnet hat und dennoch haben sie irgendetwas an sich. Das ging mir auch schon bei Spielen wie Reykholt so oder auch, obwohl dort nur Formen und keine richtigen Bilder vorkommen in einem Spiel wie Nova Luna. Seine Schöpfungen wirken seltsam real, auch wenn er Monster und Dämonen zeichnet. Ich mag das sehr und inzwischen kann ich Spiele mit Bildern von ihm, ähnlich wie bei Vincent Dutrait, sofort erkennen.

Martin Mottet

Für mich der Newcomer in dieser zehner Runde ist der Franzose Martin Mottet, den ich bereits jetzt für seine Kunst sehr verehre. Mottet ist ein über alle Maßen fantasievoller Künstler, der wie fast kein anderer unter den heute hier Vorgestellten, ein Händchen für Bildkomposition hat und spannende Bilder konzipiert. Ob es nun das geniale Coverartwork eines Vampire The Masquerade Vendetta ist, das mit seinem schrägen Winkel und den Spiegelungen auf dem regennassen Beton eine gefährliche Coolness ausstrahlt oder die Armee der Königin auf einem Felsen nach dem Gefecht mit blutverschmierten Bannern des dieses Jahr noch erscheinenden Queen´s Dilemma. Seine Bildsprache ist phänomenal. Bei The Last Doge beweist er eindrucksvoll, das er nicht nur imposante Cover drauf hat, sondern auch spannende, detailreiche Charaktere entwickeln kann. Ebensolche finden wir auch in The Magnificent, dessen Cover in der originalen, englischen Versionen ich allerdings als Misslungen ansehe. Zum Glück entschied sich Pegasus Spiele dazu ein anderes viel besseres Bild von Mottet auf das Cover zu packen, das wiederum so spannend auf mich wirkt, dass ich mir das Spiel wohl doch noch eines Tages zulegen werde. Mottet ist für mich ein Künstler mit Zukunft in der Brettspielbranche. Im Rollenspielbereich und bei Sammelkartenspielen zeigte er durchaus schon öfter sein Können. Ich freue mich inständig auf viele weitere Bilder des jungen Mannes.

Miguel Coimbra

Der nächste in dieser illustren Runde ist der nächste Franzose. Miguel Coimbra hat portugisische Wurzeln und ist der Mann für die monumentalen Bilder in der Brettspielwelt. Er hat einen ungemein wuchtigen Stil. Seine Bilder wirken groß, episch und wirken als wenn sie auf überdimensionalen Leinwänden entstehen würden. Er ist verantwortlich für 7 Wonders und malt nicht nur Bilder für Brettspiele, sondern auch für Geschichts- und Mythologiebücher. Deshalb kennt er sich wie kaum ein anderer mit der Bildsprache der Architektur aus und Gebäude in seinen Bildern wirken einfach. Aber er kann natürlich auch Figuren recht meisterhaft. Im Vergleich zu allen anderen hat Coimbra ein echtes Markenzeichen, denn auf vielen seiner Bilder ist entweder ein Sonnenblendeffekt zu sehen oder die Sonne bricht irgendwo durch die Wolkendecke und sorgt für gleißendes Licht. Dieser Effekt sorgt im Bild für eine besondere Stimmung und lässt seine Bilder so monumental wirken. Ich finde sie ganz große Klasse. Egal ob es seine historischen, fantastischen oder futuristischen Illustrationen sind. In Outlive schafft er es eine apokalyptische Endzeit welt so wunderbar großartig aussehen zu lassen, das ich mich fast in diese Szenerie hineinwünschen würde.

Das soll es gewesen sein. Neun weitere Helden, die mir und euch die wunderbare Welt der Brettspiele so schön aufwerten durch ihre fantastischen Kunstwerke. Seit dem damaligen Beitrag ist einiges an Zeit vergangen und ich habe das Gefühl, dass sich mittlerweile etwas geändert hat. Die Verlage haben durchaus erkannt, das Spiele sich besser verkaufen können, wenn die Verpackung auch stimmt. Das gilt natürlich auch nicht unbedingt für alle Bereiche der Brett- und Kartenspiele, aber für die meisten und inzwischen steht auf den meisten Schachteln auch immer der Name des Illustrators neben dem den Autoren. Ohne den oder die eine würde es das Spiel gar nicht erst geben und ohne den oder die andere würde es sich im immer größer werdenden Brettspieldschungel nicht verkaufen.

Ryan Laukat ist für mich ein recht faszinieredner Spieldesigner. Seine Kunst als Illustrator verfolge ich nun schon eine ganze Zeit und finde sie märchenhaft schön. Seit ein paar Jahre bringt der Illustrator nun schon seine eigenen Spielideen in seinem eigenen Verlag auf den Markt und von vielen seiner Spiele sind die meisten Menschen recht begeistert. Im letzten Jahr kam sein neues Spiel Roam zu uns nach hause und meine Frau und ich hatten uns sofort in das kleine Meisterwerk verliebt. Für mich stand seit dem fest, dass ich eines seiner großen Spiele unbedingt ausprobieren muss, um selbst zu erfahren, ob sie so gut sind, wie viele behaupten. Laukat erzählt Geschichten in seinen Spielen, was ja nichts besonderes ist, das tun immerhin ziemlich viele andere Autoren auch, aber in seinen Spielen sollen sich neben den Geschichten auch gute Mechaniken verbergen, die seine Spiele zu besonderen Erlebnissen werden lasse. Nun, Zeit das festzustellen. Nah und Fern gilt als sein bestes Spiel bisher.

Worum geht es?

Tja, hier wird es schon schwierig. Ich werde definitiv nichts spoilern und von der Geschichte preisgeben. Darüber hinaus gibt es einige verschiedene Spielmodi in denen man Nah und Fern spielen kann. Grundsätzlich gibt es acht spielbare Charaktere im Spiel und im sogenannten Charaktermodus spielt jeder Spieler einen dieser Charaktere und versucht auf der Reise zur geheimnisvollen letzten Ruine die Geschichte dieses Charakters zu erleben, wie sie die legendäre Letzte Ruine suchen, einen Ort andem es ein Artefakt geben soll, dass in der Lage ist Herzenswünsche zu erfüllen. Die Geschichten der Charaktere sind dabei total unterschiedlich und erzählen dabei von verlorener Liebe, Akzeptanz, Reue und Familienzusammenkunft. Im Kampagnenmodus durchspielen die Spieler mit ihren Charakteren die gesamte Kampagne über alle Karten des Spiels hindurch. Außerdem gibt es noch einen Arcade-Modus, indem man ein kurzes, schnelles Spiel im Universum von Arzium, der Welt des Ryan Laukat, erleben kann. Zu guter letzt existiert sogar noch ein Einführungsabenteuer um das Spiel kennenzulernen. Grob gesagt ist Nah und Fern also ein Abenteuerspiel indem die Spieler eine Geschichte erleben und derjenige von ihnen, der die meisten Punkte erspielt gewinnt die einzelne Partie. In einem Kampagnenspiel werden die Punkte bis zum Finale gesammelt und ein Gesamtsieger ermittelt.

Wie läuft das ab?

Nah und Fern zu beschreiben ist nicht ganz einfach, da es soviele verschiedene Komponenten beinhaltet und vielfältige Spielmodi aufweist. Grundsätzlich gibt es zwei Spielbretter. Eines von ihnen ist ein Ringbuch mit vielen doppelseitigen Landkarten, der sogenannte Atlas. Auf diesen Spielfeldern gibt es eingezeichnete Orte, Straßen und verschiedenste Symbole. Jede dieser Karten hat einen Ort, der als Hauptstadt fungiert. Für diesen Ort gibt es dann noch einen zweiten Spielplan mit einigen Gebäuden, Skalen und Feldern. Dieser sieht immer gleich aus, mit Ausnahme der Tatsache das es auch hier, mit Tag und Nacht, zwei Varianten gibt, die für unterschiedliche Schwierigkeitsgrade genutzt werden können. Auf diesen beiden Spielplänen findet das Spiel hauptsächlich statt und wir bewegen uns mit unserer Spielfigur entweder in dieser Stadt von Ort zu Ort, oder aber gehen auf Abenteuer und verlassen dieses Spielfeld und finden uns auf der Hauptstadt der Atlaslandkarte wieder.

Jeder Spieler hat zudem noch ein eigenes Tableau, auf dem man seinen Besitz verwaltet. Zu Beginn verfügt man über eine Anzahl Zeltmarker, die auf dem Tableau aufgereiht liegen. Die Zelte sind Aktionsmarker und Countdown zugleich. Wenn ein Spieler sein letztes Zelt ausgegeben hat, ist das Spiel zu Ende. Mit diesen Zelten muss man bestimmte Aktionen im Spiel bezahlen und manchmal verbirgt sich unter einem entfernten Zelt auch noch ein Bonus für den Spieler. Jeder Spieler startet zu Beginn noch mit ein paar Münzen, die eine der Ressourcen des Spiels darstellen. Weitere Ressourcen sind Nahrung, Rubine und Fraktionsmarker von vier farblich unterschiedlichen Fraktionen. Zusätzlich zu den Münzen bekommt jeder Spieler noch ein paar Artefaktkarten auf die Hand, die vor Spielbeginn unter den Teilnehmern verdraftet werden. Diese Artefakte gilt es im Spielverlauf zu bauen oder aber auch loszuwerden, denn nichtgebaute Artefakte sind zum Ende der Partie Minuspunkte wert. Das Bauen ist aber weitaus lukrativer, denn die Artefakte bringen viele Punkte und besondere Fähigkeiten mit sich.

Allein auf Abenteuer zu gehen ist allerdings nicht besonders ratsam, denn unser Held ist zu Beginn relativ schwach. Unser treuer Tierbegleiter ist der einzige Gefährte den wir haben. Bis zu vier Begleiter, einen von jeder Fraktion, können uns auf einer Reise begleiten, wir dürfen aber durchaus mehr Leute anheuern, müssen uns dann aber entscheiden, wen wir mitnehmen. Diese Begleiter bestimmen (neben den Artefakten) im großen und ganzen die Werte unseres Helden, denn sie bringen Symbole mit sich. Ein Handsymbol bedeutet Geschick, ein Schwert hilft uns im Kampf und ein Auge besorgt uns mehr Schätze beim Suchen. Manche bringen uns zusätzliche Felder zur Bewegung. Das gilt auch für unsere Packtiere, von denen wir bis zu drei haben dürfen. Sie lassen uns ebenfalls schneller reisen und pro Tier dürfen wir außerdem einen Schatz besitzen, die uns wieder mit besonderen Fähigkeiten oder Vergünstigungen versorgen. Ganz wichtig auf den Gefährtenplättchen ist allerdings ein Herzsymbol, das uns mit Ausdauer versorgt, denn bevor wir zu einem Abenteuer aufbrechen, müssen wir zunächst feststellen, wieviel Ausdauer wir haben und das bestimmt wiederum, wieviel wir auf unserer Reise erleben können.

In der Stadt bewegen wir uns aber relativ frei, wir müssen nur immer wenn wir an der Reihe sind einen Ortswechsel vollziehen. Wir können die Mine aufsuchen, in der wir durch Abgabe eines Zeltes in einer Tabelle bestimmte Belohnungen erbuddeln können. Auf dem Bauernhof können wir Nahrung bekommen oder wir gehen in die Taverne, um neue Gefährten anzuheuern. Auch eine Stadthalle gibt es, in der wir handeln dürfen. Wann immer wir einen Ort betreten, der schon von einem Spieler besetzt ist, müssen wir uns mit ihm duellieren, was uns wiederum Ruhm einbringen kann, der eine weitere Ressource ist und Siegpunkte bringen kann.

Das Kernstück ist aber der Atlas, wo wir über die Landstraßen entlang der Orte gehen, um Abenteuer zu erleben. Ein Element habe ich bisher nämlich noch komplett ausgelassen. Es gibt ein ziemlich dickes Ringbuch mit lauter Geschichtsabschnitten. Wann immer wir mit unserem Helden einen Ort im Atlas aufsuchen, der ein nummeriertes Buchsymbol hat, so lesen wir einen Abschnitt aus dem Buch und müssen meistens eine Entscheidung treffen oder eine Eigenschaftsprobe würfeln. Durch diese Abschnitte lernt man die große Geschichte hinter dem ganzen Spiel kennen. Sozusagen das Salz in der Suppe. Aber es gibt noch viel mehr auf den Plänen zu absolvieren. Grundsätzlich können wir uns in einem Zug soviele Felder bewegen, wie unsere Geschiwindigkeit es uns erlaubt. Zusätzlich müssen wir mit Ausdauer bezahlen, wenn wir unbekanntes Gebiet betreten, also Felder auf denen noch keine Zelte von irgendeinem Spieler aufgeschlagen worden sind. Dabei können auf Starßen zwischen zwei Feldern Banditen auf uns warten und Schätze gefunden werden.Die Banditen liegen dabei offen aus und man weiß immer wie stark der nächste ist und ob man es wagen kann ihn zu bekämpfen. Manche der Felder sind noch mit besonderen Symbolen ausgestattet von denen es bis zu drei 2er-Sets auf den Landkarten geben kann. Dabei handelt es sich um Handelsrouten für die wir am Spielende Punkte bekommen können, wenn wir sie an beiden Orten mit einem Zelt versehen konnten.

Die Spieler sind so reihum dran und erleben gemeinsam die Geschichten die Arzium zu bieten hat. Spielt man die gesamte Kampagne, so gibt es neben der Hauptgeschichte auch noch kleine Seitenquests zu entdecken und auch spezielle Charakterquests für jeden. Soll es ein schnelles einzelnes Spiel sein, so gibt es einen ganzen Stapel verschiedener Storykarten für ein einzelnes Spiel, sie ersetzen das große Buch und werden vorgelesen, wenn man ein Abenteuer versucht. In der großen Kampagne kann man sogar Erfahrung sammeln und seinen Charakter durch besondere Fähigkeiten noch verbessern.

Wer sich am Ende die meisten Punkte durch Artefakte, fertige Handelsrouten, gesetzte Zelte, Ruhm, bekämpfte Bedrohungen und, und, und erspielt, gewinnt die Partie.

Das Fazit

Spiele die versuchen Geschichten zu erzählen kenne ich in der Tat einige, aber nicht viele sind besondern gut. Die meisten haben weniger ein Problem mit den Geschichten, die sie transportieren wollen, sondern eher mit dem Spiel, dass sie tragen soll. Viele versuchen zu sehr Rollenspiel zu sein und da liegt meines erachtens nach das Problem, denn Spieler die Rollenspiele wollen, werden in aller Regel auch eines spielen und sich nicht auf ein Brettspiel „begrenzen“. Wohingegen Brettspieler gute Mechaniken lieben und auch ein gewisses Maß an Spiel wollen, wenn man dann dort obendrauf auch noch Story packt sind sie zufrieden. Genau das schafft Nah und Fern wie kein anderes Spiel das mir bisher untergekommen ist. Gut funktionierende Eurogame-Mechanismen, die den Spielern Spaß bringen und dann auch noch Geschichten in der märchenhaften Ryan Laukat Welt Arzium erleben lassen ist die ganz große Stärke dieses zauberhaften Spiels.

Das Verhältnis zwischen Rollenspiel und Eurogame ist einfach stimmig und setzt beide Komponenten gut in Szene. Die Charakterwerte quasi auf Begleiter auszulagern, ist, finde ich, eine sehr gelungene Art mit gängigen Rollenspielmechaniken umzugehen und sie in ein Brettspiel einzufangen. Auf der anderen Seite sind durchaus klassische Mechaniken, wie das Setzen der Zelte für Aktionen, sehr gut in das Thema des Spiels eingebunden. Mir wird bei Nah und Fern nie langweilig, ich kann eher nie all das machen, was ich gerne machen würde, aber dann ist das Spiel auch schon zu Ende. In Zweier Partien kommt mir das Spiel wirklich fast ein bißchen zu kurz vor, was aber nicht heißen soll, dass es weniger gut wird. Nur man (ich) möchte gerne mehr. Mit mehr Spielern ist das aber alles okey und die Interaktion ist auch noch deutlich ausgeprägter.

Rein optisch ist Nah und Fern eine Wucht, sofern man den Stil von Ryan Laukat mag natürlich. Die Symbolik prägt sich rasend schnell ein und ist nicht überfrachtet. Das Material ist durchgängig von hoher Qualität und rechtfertigt den hohen Preis. Die Schachtel ist sauschwer und ziemlich voll gepackt und was ich lobend hervorheben möchte ist, dass man sich hier auch Gedanken über die Wiederspielbarkeit gemacht hat. Die Kampagne kann man durchaus zwei- bis dreimal Spielen, wenn man nicht immer dieselben Punkte auf den Landkarten mit Vorleseabschnitten versieht, denn auf einer Karte kommen außer auf der ersten glaub ich so gut wie nie alle Orte mit Nummern in einem Durchlauf dran. Selbst wenn man den Kampagnenmodus hinter sich lassen möchte kann man noch die speziellen Charaktergeschichten spielen und sich danach mit dem Normalen Arcade-Modus bedienen. Nah und Fern bietet also jede Menge Wiederspielbarkeit, was auch nicht selbstverständlich für ein Abenteuerspiel ist.

Wer also ein geschichtsgetriebenes Abenteuerspiel sucht, dass auch noch über schöne Mechaniken und eine überragende Optik verfügt, der ist bei Nah und Fern genau richtig.

• Verlag: Schwerkraft-Verlag
• Autor(en): Ryan Laukat
• Illustrator(en): Ryan Laukat
• Erscheinungsjahr: 2019
• Spieleranzahl: 2 – 4 Spieler
• Dauer: 90 – 120 Minuten

Für mich fast völlig aus dem Nichts kam vor der Messe in Essen dieses Jahr ein neues Ryan Laukat-Spiel um die Ecke gebogen. Seit Jahren bin ich von seinen Illustrationen sehr fasziniert, ohne das ich eines seiner bisherigen Spiele ausprobiert hätte. Leider, muss ich dazu sagen, denn ich würde mir sehr gerne mal ein Nah und Fern anschauen. Ich weiss nur soviel, dass die Welt, in der sich seine Spiele abspielen, Arzium heisst und er sie, genau wie alle Charaktere und den Hintergrund in seinen Spielen selbst erfunden hat. Arzium spielt auch in Roam eine Rolle, wenn man sich den Untertitel anschaut. Bei Roam handelt es sich allerdings um ein Spiel in einer kleinen Schachtel, was eher ungewöhnlich ist und deshalb musste ich hier tatsächlich total blind zugreifen, ohne vorher auch nur irgendwas über das Spiel zu wissen. Aber wenn ich enttäuscht würde, so dachte ich mir, dann kann ich mich immer noch an seinen schönen, märchenhaften Illustrationen erfreuen.

Worum geht es?

In Arzium ist anscheinend eine Krankheit ausgebrochen, die dazu führt, das viele Menschen schlafwandelnd und ziellos durch die Gegend laufen. Unsere Aufgabe in Roam ist es nun also sie zu finden und aufzuwecken und dazu zu bringen sich uns anzuschließen, um somit weitere Wandler zu finden und sie von ihrem ziellosen Umherstreifen zu erlösen. Die Spieler bedienen sich dazu ihrer Startcharaktere auf einem Spielfeld das aus Karten besteht, platzieren Steine auf diesen und sammeln Münzen. Wenn Karten komplett mit Steinen gefüllt sind, werden sie ausgewertet und der jeweilige Spieler, der die Mehrheit an Steinen kontrolliert bekommt einen weiteren Mitstreiter. Derjenige Spieler, der zuerst zehn Charaktere in seinen Reihen hat gewinnt Roam.

Wie läuft das ab?

Roam besteht aus gar nicht sovielen Komponenten. Im Grunde nur ein paar Spielsteine in vier Farben, Pappmünzgeld, ein paar Pappkarten, die Artefakte zeigen und einem großformatigen, doppelseitig bedrucktem Kartenstapel. Bei den Karten gibt es natürlich noch ein paar Unterschiede. Jeder Spieler bekommt zum Beispiel zunächst drei Startcharaktere, die zu seiner gewählten Farbe passen und sich durch ihre etwas anderen Rücksseiten von den restlichen Karten abheben. Dazu gesellen sich noch ein paar Übersichtskarten und eine Außenpostenkarte für eine Spielvariante. Das Groß der Karten sind aber Landkartenteile auf der einen Seite und Charaktere auf der anderen.

Die Spieler erhalten zu Beginn alle Steine ihrer gewählten Karte und legen die drei Startcharaktere offen vor sich aus. In der Mitte des Tisches wird aus sechs Karten mit der Landkartenseite ein Spielfeld gebaut. Jede dieser Landkarten besteht aus sechs aufgedruckten Spielfeldern. Die Karten werden in zwei Dreierreihen nebeneinander platziert, so dass ein 36 Felder großes Areal etsteht. Die Position der Spieler am Tisch ist für ihre Aktionen entscheidend, so dass man immer an den Kanten des Spielfelds sitzen sollte. Ein Nachziehstapel wird bereitgelegt, aufdem man immer schon das nächste Kartenteil sieht. Sollte man mit den Artefakten spielen, so werden diese gemsicht und ebenfalls als Stapel bereitgelegt. Vier von ihnen werden dann offen ausgelegt und können von den Spielern gegen Münzen gekauft werden.

Auf den Karten befindet sich immer auch noch eine Banderole, auf der die Funktion des jeweiligen Charakters auf der Rückseite zu sehen ist. Die Funktion bezieht sich auf das Platzieren von Steinen auf dem Spielfeld. So kann man im Vorfeld schon sehen, welche Fähigkeit ein Charakter mitbringt, wenn man ihn ergattern kann.

Das Spielprinzip ist dann ein ganz einfaches. Reihum dürfen die Spieler nun immer einen ihrer Charaktere einsetzen und die abgebildete Fähigkeit ausführen. Diese Fähigkeiten erlauben es den Spielern Steine auf das Spielfeld in einer bestimmten Anordnung zu bringen. Dabei ist zu beachten, dass man die Karte nicht drehen darf und die Steine alle auf das Spielfeld passen müssen. Es gibt lediglich ein gestricheltes Kästchen als Symbol auf den Karten, dass es erlaubt, diese Karte auch so zu platzieren, dass der Stein außerhalb liegen würde. Auf jedem Feld des Spielfelds darf außerdem auch nur ein Spielstein liegen. Sollte das dazu führen, dass man nicht alle Steine setzen kann, so werden nur die setzbaren Steine auch platziert. Wenn auf dem Feld das man besetzen möchte eine oder mehrere Münzen abgebildet sind, so nimmt man sich diese aus dem Vorrat. Anschließend dreht man seine Karte um und darf sie erst wieder benutzen, wenn sie wieder aufgedeckt wird.

Sollten zu Beginn eines Zugs alle Karten verdeckt liegen, so darf ein Spieler sie alle umdrehen und dann einen ganz normalen Zug ausführen. So wird sichergestellt das die Spieler alle Fähigkeiten ihrer Charaktere einsetzen müssen, bevor sie besonders gute Fähigkeiten erneut benutzen können. Wenn nach dem Setzen der eigenen Steine, eine (oder mehrere) der sechs Karten komplett gefüllt sein sollte, so wird sie an den Spieler gegeben, der die meisten Steine auf der Karte vorweisen kann. Sollte ein Gleichstand zwischen Spielern bestehen, so darf jeder von ihnen reihum ein Gebot mit Münzen abgeben, um die Karte zu erhalten. Jeder Spieler der Steine auf der Karte hat, sie aber nicht gewinnt, bekommt eine Münze aus dem Vorrat. Alle Spieler bekommen ihre Steine zurück und die nächste Karte wird vom Stapel auf Spielfeld gelegt. Die gewonnene Karte legt der Spieler zu seinen anderen Charakteren und deckt die Charakterseite auf. Ab nun zählt diese Karte in allen Belangen als Charakter und muss immer benutzt werden, bevor man alle Karten wieder umdrehen darf. Man kann diese Regel allerdings auch umgehen, indem man mit Münzen dafür bezahlt. Wenn ein Spieler seine Charaktere früher als üblich umdrehen möchte, so bezahlt er eine Münze für jeden Charakter der noch offen ausliegt.

Das Spiel geht nun solange weiter, bis ein Spieler zehn Charaktere vor sich liegen hat. Die Runde wird aber noch zu Ende gespielt. Gewonnen hat derjenige, der die meisten Punkte auf seinen Charakteren aufzuweisen hat.

Spielt man mit den Artefakten, so liefern diese weitere Fähigkeiten, die man zusätzlich in seinem Zug benutzen kann. Artefakte bringen genauso Punkte wie Charaktere und können auch erst dann wieder benutzt werden, wenn die Spieler sie wieder umdrehen. Es gibt kein Limit für Artefakte, es dürfen soviele gekauft werden wie man möchte und sie dürfen auch ebenfalls alle in der gleichen Runde benutzt werden.

Die Regeln enthalten dann noch zwei Varianten, von denen die eine eigentlich gar keine ist. Eher würde ich sie als Zusatz bezeichnen und eigentlich immer mit ihr spielen. Die Rede ist vom Außenposten, der einem am Spielende drei zusätzliche Punkte bringt und nur von einem Spieler ausgeführt werden kann. Dazu muss man auf dem Spielfeld einen gegnerischen Stein mit acht eigenen Steinen einkesseln. Der erste Spieler der das schafft bekommt die Außenpostenkarte.

Die zweite Variante ist ein wenig reizvoller und sollte erst ausprobiert werden, wenn man ein bißchen Erfahrung mit dem Spiel hat. Sie nennt sich die Stapelvariante und hier wird das Limit der Steine pro Feld erhöht. Es ist in dieser Varainte möglich pro Feld zwei Steine abzulegen, erst danach ist eine Karte voll. Dabei werden die Steine einfach übereinander gestapelt und die Farbe ist beim Stapeln egal. Zum Schluß weden alle Steine pro Feld ausgezählt und wieder nach Mehrheiten gewertet. Gerade für vier Spieler macht diese Variante mehr Sinn, aber auch im Spiel zu zweit geht es ein wenig taktischer zu, denn es werden viele Steine auf Karten gebunden.

Das Fazit

Oh man was hatten wir mit diesem Spiel schon für einen Spaß! Absolut nichts haben wir im Vorfeld über Roam gewusst und nun holen wir es ständig aus dem Schrank um eine Partie zu spielen. Die anderen Spiele bleiben gerade Links liegen und das sagt eine Menge über Roam aus. Ich habe es bisher absolut nicht bereut dieses Kleinod von einem Spiel mitgenommen zu haben. Roam macht schon alleine wegen dem Material Spaß. Die Spielsteine sind groß, haben abgerundete Ecken und außergewöhnliche Farben. Die Illustrationen von Ryan Laukat sind wunderschön und ich betone es nochmal, der Mann malt irgendwie märchenhaft. Das wirkt wie ein Kinderbuch für Erwachsene. Das Spiel ist dabei auch überhaupt nicht komplex und schnell zu erlernen. Ich würde es eigentlich immer mit den Artefakten und dem Außenposten spielen und mir würde kein Grund einfallen das nicht zu tun. Das Stacking der Spielsteine ist dabei aber eine Option, die man zu viert finde ich fast schon benutzen sollte, um dem Spiel mehr Tiefe zu geben und Platzmangel vorzubeugen. Zu zweit ist es aber nicht nötig und macht auch so schon Spaß.

Roam ist natürlich nichts wirklich Neues, aber es macht einfach verdammt viel richtig und sorgt für schöne Spielmomente. Wunderschönes Material mischt sich mit einem eher abstrakten Spiel, dass aber durch die Hintergrundgeschichte der Welt Arzium, auf die ich mich freue sie eines Tages kennenzulernen, eine Ausschmückung erfährt. Im Grunde ist Roam eher unthematisch. Der Spaß steht aber im Vordergrund und den hatten wir bisher mit jeder Partie und ich kann nur empfehlen sich Roam einmal selber anzuschauen und auszuprobieren. Fans von Ryan Laukat und seinen Spielen werden das aber wahrscheinlich ohnehin tun.

• Verlag: Schwerkraft-Verlag
• Autor(en): Ryan Laukat
• Illustrator(en): Ryan Laukat
• Erscheinungsjahr: 2019
• Spieleranzahl: 2 – 4 Spieler
• Dauer: 20-30 Minuten

Seit geraumer Zeit wollte ich mich schon diesem Thema widmen, weil es in meinen Augen mehr Aufmerksamkeit verdient. Noch immer ist es leider nicht so, dass auf sämtlichen Spieleschachteln auch immer die Illustratoren genannt werden. Die Autoren haben ihren festen Platz, aber Illustratoren werden sehr nebensächlich behandelt. Das finde ich nicht gut und wird vielen auch nicht gerecht. Für manche Spiele sind sie inzwischen sehr wichtig und werten diese erst richtig auf. Bei der diesjährigen Kennerspiel des Jahres-Nominierung zum Beispiel gibt es mit Carpe Diem ein Spiel, bei dem absolut keinerlei modernes Design in das Spiel geflossen ist. Flügelschlag oder Detective, die beiden anderen Nominierten, sind rein optisch passend zur Spielerfahrung gestaltet worden. Gute Illustrationen können zum Kauf anregen und geben den Käufern ein gutes Gefühl ein hochwertiges Produkt gekauft zu haben. Mir macht es deutlich mehr Spaß mit einem schönen Spiel zu spielen und mich während des Spiels an schönen Dingen zu erfreuen. Deshalb möchte ich in meinen heutigen Gedanken mal ein paar tolle Illustratoren vorstellen, die zu den besten ihrer Zunft gehören und für mich Spiele besser machen.

Ich habe mir mal neun Beispiele von wirklich fabelhaften Künstlern herausgesucht, die es bisher in der Vergangenheit geschafft haben mich mit ihren Arbeiten in den Bann zu ziehen. Immer wieder gerne schaue ich mir ihre Illustrationen an und Spiele die von ihnen bearbeitet wurden sind für mich nicht selten kleine Kunstwerke, die ich gerne im Regal stehen habe. Ich halte die Reihenfolge mal alphabetisch, sie stehen also in keinerlei Rangliste oder ähnlichem.

Fernanda Suarez

Den Anfang macht Fernanda Suarez, die mir zunächst durch ihre Arbeiten für die Plaid Head Spiele aufgefallen ist. Sowohl für die Illustrationen des sehr düsteren Winter der Toten, als auch für die farbenprächtigen Bilder von Ashes – Aufstieg der Phönixmagier ist sie verantwortlich. Gerade die Artworks des letztgenannten haben mich sehr beeindruckt und zeigen wie gut sie darin ist Charaktere und ihre speziellen Eigenschaften abzubilden. Für jeden der namensgebenden Magier hat sie ein gesamtes Kartenset illustriert, das sämtliche Fähigkeiten wunderschön und mit sehr bunter Farbpalette wiederspiegelt. Auch in Dead Of Winter sind die Zeichnungen ihrer Charaktere enorm glaubwürdig und tragen viel zur Atmosphäre des Spiels bei. Fernanda Suarez hat ein gutes Händchen vor allem für weibliche Charaktere, von denen man auf ihrer Webseite eine ganze Menge weitere schöne Beispiele finden kann. Nicht nur die phantastischen Gebiete setzt sie eindrucksvoll um, sie versteht es auch ein Century – Die Gewürzstraße durch sehr gelungene Darstellungen von orientalischen Alltags- und Bazarszenen hervorragend in Szene zu setzen. Sie hat noch nicht viele Spiele illustriert, aber ich hoffe es folgen noch einige und ich werde Spiele mit ihren Artworks immer verstärkt beobachten.

Jakub Rozalski

Als ich die Bilder von Jakub Rozalski zum ersten mal sah, da lief mir tatsächlich ein Schauer über den Rücken, so erschreckend echt wirkten sie auf mich. Mit echt meine ich jetzt natürlich nicht fotorealistisch, sondern im Kontext seiner Kunst. Seine Bilder wirken tatsächlich wie Bilder alter Künstler vom Anfang des 20. Jahrhunderts nur mit diesen erschreckenden Maschinen im Hintergrund, die einerseits total deplaziert wirken, weil sie eben nicht in diese Zeit gehören, aber sich andererseits so organisch in die Bilder einfügen, dass sie wie authentische Malereien aus diesen Zeiten aussehen. Scythe gab es zu dem Zeitpunkt noch gar nicht, als ich die ersten Bilder sah und ich bin total fasziniert, dass man quasi ein Spiel rund um seine Kunst und seine alternative Welt von 1920+ entwickelt hat. Absolut fantastisch! Natürlich darf er in dieser Auflistung deshalb nicht fehlen, auch wenn er im eigentlichen Sinn kein Illustrator von Brettspielen ist. Der Pole versteht sich selbst eher als Weltenbauer dieses alternativen Universums, in dem große Maschinen in einer ansonsten noch recht unmechanischen Welt militärische Macht ausstrahlen. Auch hier hoffe ich sehr, dass noch weitere Spiele seine fantastisch beängstigende Kunst aufgreifen und wir in Zukunft noch einiges von ihm sehen werden.

Michael Menzel

Bisher hatten wir eine Frau, die wahnsinnig gut darin ist Charaktere zu illustrieren und einen Künstler der eine alternatvie Welt kreirt hat. Michael Menzel scheint wieder ein ganz anderer Typ zu sein, denn er ist für mich der Meister der Spielbretter. Seine Illustrationsphilosophie, wenn es sowas überhaupt gibt, ist es, zumindest habe ich das mal in einem Interview mit ihm gelesen, dass zu aller erst die Illustration das Spiel unterstützen muss und sämtliche künstlerischen Aspekte zurücktreten und man zum Diener des Spiels werden muss. Es gibt soviele fabelhafte Beispiele für seine „Kunst“ es mit dieser Philosophie zu halten. Seiner Spielbretter zu Stone Age, Brügge und selbst einem spielerisch seichten Waka Waka sind wirklich schön, detailreich und praktisch. Aber er kann wirklich weitaus mehr: seine Cover und Illustrationen von Dominion und Thurn und Taxis sind ebenfalls sehr gelungen. Wer sich das Cover von Dominion noch nie angeschaut hat, sollte das tun, wieviele kleine Details überall vorhanden sind und wie selbst, ähnlich zu seinen Spielbrettern, im hintergrund noch viele Details schlummern. Sein absolutes Meisterwerk hat Michael Menzel dann aber mit den Legenden von Andor abgeliefert, hier illustrierte er nicht nur das gesamte Spiel mit seinem wiedereinmal fabelhaften Spielbrett, nein, das Spielprinzip stammt auch noch von ihm. Hier wurde also der Illustrator selbst auch noch zum Autor. Für mich kann er aber am besten die Spielbretter, eine perfekte Symbiose von Funktionalität und Schönheit.

Mr. Cuddington

Mr. Cuddington ist nicht nur ein Künstler, nein, Mr. Cuddington ist ein Ehepaar. David Forest und Lina Cossette aus Kanada bilden zusammen ein famoses Künstlerduo, während Lina laut eigenen Aussagen besser mit einem Bleistift arbeitet ist David eher der Maler. Die beiden scheinen sich ziemlich gut zu ergänzen, denn sie arbeiten erst seit 2014 in der Brettspielindustrie und haben sich seit dem einen Namen gemacht. Ursprünglich kommen sie aus der Videospielbranche. Inzwischen gehen so wunderbare Spiele wie Brass, Santorini und Charterstone illustratorisch auf ihre Kosten. Bei all diesen Spielen liefern sie eine tadellose Leistung vom Cover, über das Anleitungsdesign bis hin zu Kartenillustrationen und hübschen Spielbrettern ab. Dabei sind sie auf keinen Stil festgelegt, sondern variieren nach belieben. Das industrielle von Brass fangen sie dabei genausogut ein, wie die niedlichen Figuren bei Charterstone und Santorini. Ein weiteres kleines Meisterwerk in ihrem Portfolio ist Steampunk Rally, das erst durch die wunderbar verschrobenen Illustrationen zum echten Hit wird. Ich denke die beiden werden eine glänzende Zukunft in der Spieleindustrie haben und sich vor Aufträgen in den nächsten Jahren nicht beklagen können. Mit Brass Lancashire, sowie Brass Birmingham haben sie in Punkto Illustration soetwas wie einen neuen Standard in der Oberklasse der Brettspiele gesorgt. Ich freue mich auf neue Werke.

Naïade

Hinter dem Künstlernamen verbirgt sich der Franzose Xavier Gueniffey Durin, der in meiner Liste nicht fehlen darf. Naiade zeichnet sich vor allem durch einen einzigartigen Stil aus, der mir sehr sehr gut gefällt. Dabei ist es fast egal, welches Thema er umsetzt, alles sieht immer irgendwie nach Naiade aus. Ich bin ein großer Fan. Seine erste Arbeit im Brettspielgeschäft hat er mit Isla Dorada 2010 abgeliefert und seit dem kommen immer wieder fantastische Spiele mit seinen Illustrationen heraus. Lords of Xidit, das Grimoire des Wahnsinns, Tokaido und Seasons, um nur ein paar zu nennen. Auch zu Zombicide Black Plague hat er einige tolle Charaktere beigesteuert, die man inzwischen auch in Miniatuenform bewundern kann. Die Landschaften in seinen Spielen sind immer wunderschön und sehen aus, als wären sie direkt aus einem Animationsfilm entsprungen. Seine Charaktere sind leicht verschroben aber immer irgendwie sympatisch.
Hier passt einfach alles und die Bandbreite ist riesig. Sein Stil ist einzigartig und bereichert jedes Spiel. Vielmehr braucht man zu Naiade gar nicht sagen, seine Werke sprechen für sich.

Ryan Laukat

Ryan Laukat ist soetwas wie der Selfmade Man unter den Illustratoren der Brettspielszene. Angefangen hat er als Illustrator mit Arbeiten für Dominion. Wer einmal nachschauen möchte kann den Abenteurer aus dem ersten Set hervorkramen und mal schauen, wer die Illustration gemacht hat. Richtig, Ryan Laukat war es, danach folgten weitere Kartenillustrationen und recht schnell wurden die Aufträge größer und er durfte ganze Spiele illustrieren. Das schien dem guten Mann aber nicht zu reichen, denn wie auch Michael Menzel hatte er anscheinend genug Ideen, um seine eigenen Spiele zu designen und mit seinen Grafiken zu versehen. Dabei sind so wunderbare Werke wie Oben und Unten, Nah und Fern und The Ancient World entstanden. Ich muss sagen, sein Stil erinnert mich eher an den eines Kinderbuchillustrators, aber das meine ich nicht dispektierlich. Ich mag seinen Stil. Seine eigenen Spiele zu designen reichte ihm aber immer noch nicht und so gründete er 2012 seine eigenen Firma Red Raven Games, wo er nun seine eigenen Spiele auch noch verlegen konnte. Ryan Laukat muss man als Künstler wahrscheinlich mögen, aber ich finde gerade die oben genannten Spiele rein optisch durch und durch fantastisch.

The Mico

Wer ein eifriger Leser meines Blogs ist, wird den Namen The Mico schon das ein oder andere mal gelesen haben, denn für mich ist er der Mann der Stunde, was das Illustrieren von Brettspielen angeht. Der Mazedonier heißt eigentlich Mihajlo Dimitrievski und zeichnet sich durch seinen einzigartigen Cartoonstil aus. Alle seine Werke haben absoluten Wiedererkennungswert. Seine Figuren erkennt man schon von weitem. Ursprünglich kommt er überhaupt nicht aus der Spielerszene und wurde zum ersten Mal von Shem Phillips für sein Spiel „Die Schiffbauer der Nordsee“ rekrutiert. Wie er selbst sagte, eine normale Auftragsarbeit und ehe er sich versah sitzt er da und illustriert eine Menge Brettspiele. shem Phillips kam ja gleich mit einer Trilogie von Nordsee-Spielen daher und der Stil von The Mico passte perfekt zu den schrulligen Wikingern. Mihajlo kann aber nicht nur seine ikonischen Charaktere, sondern ist auch ein fantastischer Illustrator für Spielbretter, auf denen er immer wieder viele Details einbaut. Die Architekten des Westfrankenreichs oder auch die Spiele der Nordsee-Trilogie sind gute Beispiele. Auch Coloma mit seiner Westernstadt sticht hier besonders heraus. Ich persönlich liebe aber seine Charaktere und von denen bekommt man in Valeria eine ganze Dosis. Nicht nur Dorfbewohner sondern auch Monster finden sich hier. Wer auf einen ungewöhnlichen Cartoonlook steht sollte sich die Werke von The Mico auf jeden Fall anschauen. Spielerisch sind nicht alle Spiele an denen er bisher mitgewirkt hat auf höchstem Niveau, aber es werden immer mehr.

Vincent Dutrait

Ich bin mir nicht ganz sicher und beweisen kann ich es auch nicht, aber ich stelle mal die Behauptung auf, das wenn man eine Umfrage starten würde, welcher der beliebteste Illustrator in der Brettspielszene ist, würden verdammt viele Leute seinen Namen nennen. Er ist soetwas wie der Altmeister und darf bei dieser Aufzählung auf keinen Fall fehlen. Über 100 Spiele hat der in Südkorea lebende Franzose bisher illustriert und das sind nur die Brettspiele. Eigentlich kommt er aus dem Bereich der Rollenspiele, wo er seit Jahren für den europäischen und asiatischen Bereich illustriert. Das wirklich besondere an Vincent Dutrait ist, das er bis heute keine digitalen Hilfsmittel benutzt. Er zeichnet und malt tatsächlich noch altmodisch auf Papier mit Stiften und Pinseln. Ich finde das man seinen Bildern das auch tatsächlich ansieht, besonders wenn man sie mit anderen Künstlern vergleicht. Die Bilder wirken irgendwie sanfter und detailierter und aus persönlicher Erfahrung muss ich sagen, dass es mir auch enorm schwer fällt digital zu zeichnen und ich auch mehr Details und bessere Linien mit Stiften hinbekomme. Das mag aber nur eine Sache der Übung sein. Vincent Dutrait erschafft auf diese altmodisch Art kleine Meisterwerke und Spiele die er illustriert sehen so fantastisch aus. Als Beispiele sollen hier Robinson Crusoe, Tikal II, Lewis & Clark, Museum, Lost Cities, Treasure Island und Broom Service herhalten. Aber es hört auch nicht auf, er ist so dick im Geschäft, das jedes Jahr mehrere Spiele von ihm illustriert erscheinen.

Xavier Collette

Der letzte in dieser illustren Runde soll der Belgier Xavier Collette sein, den man ab und zu auch unter seinem Künstlernamen Coliandre antrifft. Collette kommt auch auss der digitalen Ecke der Illustratorn und hat zuerst für ein Videospielunternehmen namens 10Tacle gearbeitet, bevor er auch in die Spieleszene kam und für Furore sorgte. Er steckt hinter den malerisch träumerischen Welten von Dixit: Journey und vor allem Mysterium. Sämtliche Illustrationen sind von ihm und sein schräges und eindringliches Charakterdesign sucht seines gleichen. Aber es gibt eine Arbeit, die ihn in der Spieleszene wohl noch berühmter gemacht hat und das ist das Bruno Cathala Spiel Abyss, auf dem nichts außer dem Kopf eines grimmigen Unterwasserwesesn zu sehen ist. Absolut einzigartig. Nichteinmal der Titel steht auf dem Cover. Seine Charaktere sind immer ein bißchen abgefahren und lassen einem leichte Schauer über den Rücken laufen, manche wirken gar ein bißchen entrückt und zwischen Welten verhaftet und das passt eben auch genau zu den Spielen die er illustriert. Ich liebe seine Bilder und die Arbeit die er abliefert. Leider gefallen mir die Spiele meistens weit weniger, so dass ich nicht ein einziges seiner Werke in meinem Schrank stehen habe, aber da kommt betimmt noch mehr.

Nun bin ich erstmal am Ende und ich hoffe ich konnte euch ein paar schöne Einblicke in die Welt der Brettspiel-Illustrationen und Illustratoren liefern. Spiele sind heutzutage soviel mehr als in der Vergangenheit. Sie sind oftmals kleine Meisterwerke, an denen man sich nicht satt sehen kann. Manche Firmen haben das leider immer noch nicht kapiert und produzieren weiterhinlangweilige Spielschachteln mit langweiligem Spielmaterial, wie zum Beispiel das schon erwähnte Carpe Diem von Alea/Ravensburger unter beweis stellt. Da kann das Spiel noch so toll sein, so etwas ist heute einfach kein Standard mehr. Ein bißchen mehr Mühe darf man sich schon geben. Illustratoren können ein schlechtes Spiel zwar nicht besser machen, höchstens ansehnlicher, aber ein gutes Spiel das einfach nicht gut aussieht, wird nur bei eingefleischten Fans erfolgreich sein. So erschließt man sich keine neuen Käufergruppen. Außerdem bin ich der Meinung, dass die Illustratoren mehr Aufmerksamkeit verdienen und zumindest immer auf der Packung genauso wie der Autor genannt werden müssten. Auch ich möchte ab sofort etwas mehr für die Illustratoren tun und werde in den kommenden Wochen, unter allen bisher erschienenen Rezensionen die Illustratoren ergänzen und sie in die Suchbegriffe und Schlagwörter mit aufnehmen.